sábado, 27 de mayo de 2017

Desde Cuba hasta Chile Una mirada contemporánea desde trece visiones diferentes




Lohanis Mesa Nápoles
Licenciada en Historia del Arte


Renacer,  2016. Obra de la autora


Dedicatoria


A mi madre por darme la vida y su amor incondicional
A mi padre por ser mi  pilar.
A mis hijas, el tesoro más grande que poseo.
A mi hermano querido.
Al profesor Jaime Yanes Guzmán, quien me incentivo a crear este libro.
A mi tía sin la cual no lo habría logrado.
A Golffrey que estuvo a mi lado durante su confección.
A Lino por su  apoyo.









El arte no reproduce lo visible, lo hace visible.
Paul Klee







 INDICE DE CONTENIDOS

1.    Prologo/ 6



2.    Palabras al Catálogo de la Exposición Personal “Ilusiones”/ 8
Artista, Ailema Valdovi Gutiérrez.
3.    Palabras al Catálogo de la Exposición  “Subpayaso”/ 12
Artista, Alexander Morales Núñez.
4.    Critica a la Exposición  “Apuntes Privados”/ 16
Artistas Yalili Mora y Daniel Rivero.
5.    “Conectando Anacronismos”. Critica a la Exposición Personal “Con Sabor a Guarapo”/ 22
 Artista William Hernández.
6.    ”El Hechizo del Vacío”. Critica a Diferentes Momentos de la Obra del Artista Elías Federico Acosta/ 26
7.    Palabras al Catálogo de la Exposición “El Beso”/ 31
Artista Elías Federico Acosta.
      8. Palabras al Catálogo de la Exposición “Complementos…Crear Para Crear”/ 35
Escultor Juan García Cruz.
   9. Critica a Diferentes Momentos de la Obra del Artista Julio Antonio Ferrer/ 39
 10.”Sobre la Punta de la Estrella”. Estudio  de la Colección de Obras Eróticas del Escultor Mateo Torriente Bécquer/ 44
11. Critica a la Exposición Personal “La Filosofía y el Hombre Nuevo”/ 50
Artista Yoander Ríos Jiménez.
12. Palabras al Catálogo de la Exposición “Desnudo de Frutas”/ 53
Artista Yasel Fundora Lleo.
13. “El Mural de la Plaza de Juegos de Santa Cruz”. Crónica Periodística/ 56
Artista Dasic Fernández.
14. Epilogo/ 61






PROLOGO
Desde hace un tiempo he tenido la idea de recopilar algunos de mis trabajos sobre crítica de arte, muchos de los cuales realice cuando vivía en Cuba. Allá tuve la oportunidad de codearme con excelentes artistas visuales, reconocidos tanto en mi país como en el extranjero.
Tuve el lujo de participar en el proceso curatorial de muchas exposiciones, ser jurado de eventos desarrollados en mi provincia, así como realizar actividades educativas para promover el arte y la cultura.
De toda esa experiencia surgieron   una serie de investigaciones  vinculadas a mi trabajo en varias instituciones culturales de la ciudad de Cienfuegos, donde residía.  Estas pudieran dividirse en palabras al catálogo de exposiciones personales de los mencionados artistas, critica a diferentes momentos de la obra de otros, así como un estudio  a una   colección  de esculturas eróticas, y una crónica realizada a un artista chileno, residente en Nueva York.

Me siento maravillada ante tanta diversidad y talento, lo que los une, la inconformidad con  la realidad social y una necesidad imperiosa por cambiar la mentalidad anquilosada del sistema imperante. 

Invito a todos los que gusten del arte a leer este libro que los llevara a seguir indagando sobre los artistas incluidos o no en él.

Esa, mi gran aspiración.





Serie Ilusiones

De la serie Ilusiones, 2006.  Ailema Valdovi Gutiérrez.
Pintora, Ailema Valdovi Gutiérrez. Graduada en 2006 por la Academia de Artes Benny More de Cienfuegos, Cuba.

Percibir el entorno que nos rodea en toda su variedad cromática y formal, la diversidad de ambientes más que nada es un privilegio del que no siempre somos conscientes y que no todos disfrutamos.
En el sitio web del instituto oftalmológico Zvision S.A. 21 de junio a 20 de octubre  del 2015, aparece un artículo donde se informa que (...) Algunas de las patologías oculares nos pueden llevar a observar el mundo con distorsiones… Son alteraciones que impiden distinguir los contornos con nitidez y hacen perder la idea real del entorno, produciendo angustia y frustración en los afectados (...)
La Dra. Carmen Fernández Jacob del servicio de oftalmología del Hospital Universitario “La Paz” de Madrid  en su Conferencia “El arte y la baja visión” nos dice que (…) En ocasiones, son estas enfermedades visuales, lo que quizás haya hecho que las obras de arte que admiramos en las colecciones de los museos nos conmuevan. Porque esencialmente el Arte es ver las cosas de una manera diferente, de una forma diversa. Y es que la discapacidad visual es diversidad, y la diversidad es una de las características más importantes de la creación artística (...) 
Ella misma agrega que (…) Algunos maestros de la talla de Edgar Degas y Claude Monet, padecieron disfunciones visuales, lo cual no les impidió crear obras de las más bellas en la historia del arte. Más bien  los potencio y llevo a ser precursores de otros estilos como  la abstracción y el expresionismo (...)
Hoy día la  novel artista de la plástica Ailema Valdovi Gutiérrez, se enfrenta también a un padecimiento similar.
Desde niña ha estado tan familiarizada por el mundo de las imprecisiones causadas por su enfermedad que no se sorprendió al conocer los estudios realizados por la Gestalt, sobre el fenómeno perceptivo con fines artísticos. Más bien se identificó con varios artistas de la abstracción cinética y el op art,  que tocaron su fibra sensible en relación con su padecimiento. La posibilidad que le dieron de inventar su propia realidad pictórica fue más fascinante que recrear lo ya trillado.
            Ilusiones se titula una serie realizada hace aproximadamente un año con la que defendió su tesis de graduación. Lo más característico de la misma radica en que el núcleo de la composición está constituido por textos alusivos al mencionado  fenómeno perceptivo. Muy pocas veces en la historia del arte por no aventurarme a decir que nunca se ha tomado un texto para estructurar una pintura. No es menos cierto que  se han usado pero como un  elemento secundario, casi decorativo, como en el cubismo.
Aunque siempre se espera que una obra funcione por si sola  sin bastones de esa índole, esta joven ha demostrado en cuatro obras la posibilidad de un gran discurso plástico a partir de una frase.
            Un homenaje al op art, y a la abstracción cinética, desde la perspectiva del diseño gráfico, pudiera ser el propósito de “Ilusiones”. Todo ello está dado en la utilización del propio título que alude a algo tan caro a esta tendencia como la ilusión óptica. Por otro lado tenemos las soluciones formales que logro y ese carácter lúdico que pretenden poseer. Sin embargo detrás de todo ese simulacro hay cierta revancha como paciente en un sentido creativo.
             Tantas serían las veces en que se sintió única en su incapacidad de desentrañar los caracteres tipográficos que se le hacían puntos o manchas contra el fondo de sus libros escolares mientras sus compañeros leían con tanta facilidad.
            En cambio esta es su hora.
            Para hechizar al espectador ofrece una estrategia  consistente en exponer y ocultar los elementos del texto. Este tendrá que asumir una actitud dinámica. La total percepción solo podrá consumarse luego de haber desentrañado el texto.
De la serie Ilusiones, 2006
Según la teoría de la Gestalt,  la imagen se percibe en el ojo como una configuración total. Si se altera un componente puede variar la organización de ese todo. Ese es el recurso que utiliza la autora. Su arte es por tanto técnico e impersonal.

            Para dificultar la lectura, Valdovi se ha valido de algunas leyes de esa teoría tales como la proximidad y el cierre. Elementos  como el ritmo y las áreas geometrizantes son fundamentales para dinamizar la composición. El uso de fuertes contrastes cromáticos unidos a la pulcritud en el acabado las dota de una calidad indiscutible. En ellas el sistema figura fondo es complejo pues  forma una trama inseparable.
En la serie hay obras que son decodificables con más facilidad que otras. La idea es que experimentemos un tanto la  ansiedad que ella pudo vivir. Ahora nos queda repetir el eslogan que nos propone “Sea el autor de su propia experiencia”.
Referencias Bibliográficas
1.    Marmor, M.F (2015). «Ophthalmology and Art: Simulation of Monet’s Cataracts and Degas’ Retinal Disease», Arch Ophtalmol 2006; 124: 1765-1769 Recuperado 26/04/2017 22:39 de http://www.Zvision.com.ar/problemas-visuales-d-grandes-artistas/[JYG1] 
2.    Fernández Jacob Carmen, (2016) Conferencia: “El arte y la baja visión” Recuperado 27/04/2017 a  las 11:59. Páginas 1 y 8 http://www.seeof.org/archivos/eventos/programa_2016_87.pdf



Subpayaso


Escultura en tela Subpayaso, 2006. Exposición personal de Alexander Morales Núñez.
Alexander Morales Núñez. Cienfuegos Cuba 1975. Egresado del Instituto Superior de Arte (ISA) en La Habana. Bachiller en Artes Plásticas. Radicado en el extranjero. 
De inquietante pudiera ser calificada la exposición “Subpayaso” de Alexander Morales Núñez, la que estando constituida por piezas realizadas en diferentes momentos de su vida artística acierta a poseer un elevado nivel de coherencia y un carácter inclusivo[JYG2] , lo cual se advierte por la presencia de numerosas manifestaciones de las Artes Plásticas como: el performance, la instalación, la escultura y la pintura, ofreciéndonos una idea de su versatilidad.
            Mucho más que en otros artistas, la creación deviene catarsis siendo el modo de canalizar las energías negativas de su ser, de ahí la fuerza que nos trasmiten sus obras, cada una de las cuales emite alaridos desde su mudez hermética.
Es la violencia parafraseando al artista, el espinazo que vertebra su discurso poético de por si tácito, enrevesado y pleno de significados autorreferenciales que nos remiten al cine, la representación, el acontecer doméstico y el social. Tanto la del gesto con que se expresa ya desde sus comienzos, recuérdese la exposición “A escena” (1993), como una mucho más aséptica y racional, heredera de Matthew Barney. Ambas vertientes son hijas de dolores existenciales. Tras la expresión espontanea de esta violencia  se acurruca el temor, mientras que la que cuece su alegato a fuego lento no deja de ser agresiva y hasta cruel, para servirlo como una gran carcajada llena de sarcasmo.
La atracción que siente por el mundo del espectáculo está presente también desde  sus comienzos. De este ha tomado una gama de personajes entre los que se destaca el clown.
            Ese a quien todos lo relacionan con la risa, símbolo del circo, es retomado como pretexto para lograr un crecimiento en el plano personal a partir de la interacción con un  público que le interesara estremecer. Ejemplo lo vimos en el performance “Mete y Saca” presentado en el Visuarte 2005. Y en su afán por conservar la memoria de algo tan fugaz, recontextualiza de una manera casi ritual las piezas empleadas en estos performances. De modo que aprovecha lo escatológico de la huella impresa por el uso, como un factor enriquecedor, mientras las dota de una apariencia más perecedera en nuevas instalaciones de cierto sabor pop, donde se glorifica al objeto por cumplir su rol.
            Por otro lado le ha servido para alcanzar una penetración psicológica. Aunque parte de su experiencia no se ciñe a lo anecdótico para explorar lo visceral humano, como en la serie “Payaso Patético” 2005.

                                                      Payaso Patético: Periodo 2005 - 2006
Aquí el zoom in hecho a la imagen del hombre es tal que la realidad se disuelve en la abstracción debido al uso de escorzos poco convencionales donde el color, líneas y áreas gritan debajo de la máscara. La misma que constituye el espectáculo en sí, cuya parafernalia ficticia y efímera esconde la verdadera realidad habitada por el dolor.
El ser humano, por tanto, es visto como un actor de circo, la vida es el escenario. El maquillaje lo distancia,  lo protege de la sociedad. Al mismo tiempo le permite simular lo que guarda en su interior

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                                                            El Ángel de la Escena: Periodo 2005 – 2006
Hay un ir y venir entre la fascinación por ese mundo y el asco por lo aparente y vano en un sentido más abarcador. El contraponer la naturaleza artificial de aquellos brillos a la verdadera esencia humana hace  aflorar lo grotesco, pero sin dejar una nota definitiva, ni absoluta.
            Suele moverse de un lado al otro de la cuerda, siempre  veraz y conciso. Es precisamente  lo que sentimos sin poder  traducir, lo más atractivo de su arte.





Apuntes Privados

De la serie Apuntes Privados, 2002. Yalili de la Caridad Mora Ramírez y Daniel Rivero García.
Yalili de la Caridad Mora Ramírez. Trinidad, S.Spiritus. Cuba 1972. Miembro de la Asociación Hermanos Saiz, AHS y la Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba, UNEAC.
Daniel Rivero García. Cienfuegos Cuba 1975. Artista Multidisciplinario cubano. Fundador del Grupo Punto. Miembro de Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba, UNEAC. [JYG3] 

En la obra “Así hablo  Zaratustra”, Friedrich Nietzsche planteo, en el discurso “Del leer y el escribir”…De todo lo escrito yo amo solo aquello que alguien escribe con su sangre. Escribe con tu sangre y te darás cuenta de que la sangre es espíritu. No es cosa fácil el comprender la sangre ajena… Y si no es fácil leer las cosas escritas con sangre, tampoco parece fácil entender los cuadros pintados con sangre.
El ser humano siempre se ha sentido intrigado por este fluido. Ya desde la prehistoria el hombre la usaba como aglutinante para sus pigmentos. Específicamente la de los  animales que cazaba y como elemento simpático actuaba mágicamente a la hora de “apropiarse” del espíritu de la presa.
Esta, de inmediato nos sugiere la idea del dolor, el sufrimiento, y la muerte. ¿Cercano a Levítico? Podría ser, una lectura tan difícil como interpretaciones haga quien observe la obra. Una mirada desde los cristianos, redime. Levítico es un libro único en la historia, en él se reafirma la pureza y la santidad.
La serie Apuntes Privados, resume en sí, la angustia de una etapa de la historia cubana donde sangre, sacrificio y dolor estrechan el  lazo de una familia que pacta la unión, mientras otras se derrumban… “Porque [JYG4] la vida de la carne está en su sangre, y os la he dado para hacer expiación por vuestras vidas en el altar, porque, como la vida, es la sangre la que hace expiación”... y eso se debe a que la vida está en ella; pero debido a que esa sangre es derramada, también puede representar la muerte… (17:11, Nueva Versión Estándar Revisada de la Biblia 2013).
             En el mundo del arte la sangre ha sido utilizada ampliamente desde los años sesenta, respaldando una estética de la perturbación.
            En Cuba aparece hacia los años ochenta en pos de subvertir el statu quo. Por ejemplo la artista conceptual Ana Mendieta la utilizó para llamar la atención acerca de la violencia de género.
Hoy día hay casos como el de los artistas Yalili de la Caridad Mora y Daniel Rivero ex integrantes del Grupo Punto, de Cienfuegos, quienes la usan de un modo novedoso en la serie “Apuntes Privados”.
            Anterior a ésta,  dicho matrimonio de artistas realizó el “Proyecto LORM”. Este título alude al sistema del deletreo de mensajes habitualmente utilizados por personas sordas, ciegas, en fin un público, ciego, sordo y hasta mudo en apariencias para el arte, pero al que pueden acceder todos.
Fue el comienzo de muestras expositivas cuyo hilo conductor es el hecho creativo dentro de esta familia. Aquí se aprecia el uso de la sangre como metáfora del vínculo biológico entre los creadores y su vástago.
En Apuntes Privados, manifiestan los artistas… “la fotografía fue el punto de partida para la creación de serigrafías que fueron confeccionadas utilizando una mezcla preparada con sangre de ambos”…Este gesto connota a la sangre en unión y consanguinidad, pero también en sacrificio, si se tiene en cuenta que para la realización de las obras se extrajeron un litro cada uno. Sacrificio que nos señala una de las frases grabadas en la plancha de acrílico, utilizada en el montaje, y como apunta otra este matrimonio se erige en mártir de su verdad.
            El empleo de la sangre como pigmento, define una tendencia al rito, de sellar la unión para siempre. Por otro lado  implica una apropiación de las obras en un sentido simbólico pues ya les pertenecen, lo que es más evidente por la negativa de los autores a comercializarlas.
             En las serigrafías se respira cierta espacialidad dominada por el misterio que evocan los contrastes de luces y sombras. Luces que difuminan las figuras, sombras que sugieren y que ocultan más de lo que muestran, lográndose cierto esfumado.

De la serie Apuntes Privados, 2002. Yalili de la Caridad Mora Ramírez y Daniel Rivero García
Este contrapunto de claroscuros crea una atmosfera lírica, que atenúa la crudeza de los ambientes representativos de un modo de vida instaurado en nuestra realidad después de la caída del campo socialista y que se mantiene en algunos estratos sociales. En este caso se trata de artistas desligados un tanto del fenómeno comercial.
            Hay un silencio resultante no solo de la armonía, sino del tedio, de la rutina a través de la cual las acciones tienden a volverse automáticas y donde la niña, su obra más lograda biológica y cultural, es lo más vivido de todo.
            Hay una búsqueda estética y conceptual. Aquí lo bello no se encuentra en lo externo sino en algo intangible e inmanente que nace de la poesía de lo cotidiano y la comunión espiritual entre los representados.


 De la serie Apuntes Privados, 2002. Yalili de la Caridad Mora Ramírez y Daniel Rivero García
Volviendo a la sangre, utilizada como componente químico del pigmento, actuara como oxidante por la presencia del hierro. Es entonces el tiempo, otro elemento indispensable en el proceso de conformación de estas obras, las cuales se irán oxidando en un proceso que no tendrá retroceso, como la vida misma hasta su total destrucción.
Los artistas juegan con las categorías de lo particular en lo universal y en este sentido lo  primero está dado por esta familia en sí, con sus peculiaridades individuales y el entorno marginal de su hogar; lo universal en haber escogido escenas de la vida cotidiana, las más frecuentes: el baño, la cena, el descanso,


 De la serie Apuntes Privados, 2002. Yalili de la Caridad Mora Ramírez y Daniel Rivero García
muebles y objetos utilitarios domésticos. Ello nos habla de la similitud de los seres humanos, independientemente de la cultura y la época.
No hay intención de edulcorar la realidad, más bien lo contrario, se desacralizan los temas, se presentan al desnudo con toda naturalidad y cierto aire de existencialismo.


De la serie Apuntes Privados, 2002. Yalili de la Caridad Mora Ramírez y Daniel Rivero García
El titulo advierte acerca de la privacidad de lo que se va a ver. Los autores ubicaron frases grabadas en las planchas de acrílico que despiertan el interés del espectador por leerlas,  pero su transparencia no permite apreciarlas íntegramente de una sola vez. De modo que las consumimos a partir de un juego de apariciones y desapariciones que juegan con la visual…
Hay una marcada intención de ubicar al espectador en el plano de un intruso que husmea en las intimidades. Crear  inquietud por develar el mensaje de las frases  lo fuerza a asumir una postura dinámica ante las obras. Este se irá con la certeza de que por mucho que lo intento no lo abarco todo y convencido de haber traspasado los límites.
Referencias
1.    Jean Sheldon. (2008). Sacrificio de sangre: si es un símbolo, ¿Qué significa? Revista Spectrum. Recuperado 22-05-2017 23:12: http://spectrummagazine.org/article/escuelasab%C3%A1tica/2008/11/11/sacrificio-de-sangre-si-es-un-s%C3%ADmbolo-%C2%BFqu%C3%A9-significa
Conectando Anacronismos


Sencillamente, autorretrato con Cardo, William Hernández, 2001.

Así como el cuerpo es prisión del alma, lo es el lenguaje del sentimiento, de ese que nos provoca el arte cuando es auténtico. Tal es el que sentimos ante la muestra “Con sabor a Guarapo” del artista  William Hernández Silva, que solo el silencio es aconsejable en el instante de su contemplación. El elegante silencio con el que se dice todo sin articular palabra.
La crítica ubica su obra en las tendencias neo historicista, pos medievalista, porque con el cinismo propio del posmodernismo, se apropia de fragmentos de obras creadas por autores paradigmáticos de la Historia del Arte Universal, tanto europeo como cubano.
Refiriéndose a su modo de crear, la Dra. Carina Pino Santos[1], ha utilizado el tan recurrido término de antropofagia, acuñado por el movimiento brasileño de igual nombre en 1928, atribuible a los artistas que se ubican en la periferia de los Centros Culturales, quienes devoran los modelos dictados desde esos centros para digerirlos a su modo y ofrecerlos como suyos.  Proceso en el que imprimen la identidad de que son portadores.

William es uno de esos devoradores de obras, aunque su paladar prefiere las de Alberto Durero y Lucas Cranach. En algunas entrevistas, ha declarado que le fascina La Edad Media por la riqueza plástica de los trajes y los ambientes.

Ante alguna de sus creaciones nos sentimos atravesando un portal espacio temporal donde sus actantes pueden moverse de una época a la otra. Algo así como un agujero de gusano. Esto lo ha logrado por la técnica que utiliza. En sus primeros años como artista se dedicó a hacer matrices xilográficas. Creó innumerables de éstas copiando a sus artistas predilectos.

Con el tiempo llego a tener una gran colección que sería un tesoro, ya que las copias le sirven para  crear enormes collages con fragmentos de unas y de otras. En ocasiones trabaja algunas figuras en acrílico cuando las desea enfatizar. Algo novedoso.

Con una actitud lúdica contrapone entonces, personajes ya creados siglos atrás y que constituyen por tanto, citas a aquellas obras, con los de su propia invención. La disimilitud resultante entre estos va, desde la proporción hasta el referente histórico y geográfico creando a nivel espacial un caos muy similar al de las obras manieristas. De ahí que en su mundo diegético, la paradoja y el absurdo sean la norma.

A todo ello suma la utilización de técnicas diferentes en una misma obra. En esta apoteosis de inclusión el anacronismo campea por sus respetos, siendo el hilo conductor. De todo ello resulta muchas veces un fino  humor con un matiz de  ironía, y hasta desgarramientos, solucionados con una contención que raya en el distanciamiento. Pareciera no querer herir con su discurso, solo reflexionar.  
En mi opinión tal distanciamiento lo logra por la forma con que aborda la figura humana. Esta aparece desde dos ángulos diferentes. La composición está dominada por la cita, que puede ser a algún retrato renacentista, enfatizada por la posición y escala. La pose  hierática de esos retratos da realce e imprime una fuerza contenida. En cambio los personajes populares cubanos son trabajados a menor escala y siempre aparecen realizando alguna labor. Eso los hace más cercanos.

                                              La Virgen de los Barquitos, 2002.
Esta contradicción pudiera llevarnos a ver los rostros como gestores de la realidad - generalmente aristócratas, o poderosos - y a los demás personajes como el mundo creado por ellos. Sea cual fuere la interpretación hay un balance entre el estatismo de los rostros y el dinamismo de las figuras secundarias por lo que las soluciones compositivas tienen un pasmoso equilibrio.
La xilografía le permite reutilizar, re contextualizar las copias  una y otra vez e incluir los actantes en nuevos contextos mediante el collage, re significándolos.   De toda la muestra resaltan a la vista  las obras “Simplemente Autorretrato con  Cardo” y “Sueños y desvelos de Wampampiro Timbereta”, personaje extraído de la novela de Samuel Feijoo y que representa al pueblo, unas veces sabio, otras  ridículo pero digno.
En la misma se aborda el tema de la emigración. Dos son los actantes que nos lo exponen: uno “El Hijo Prodigo”, - cita a El  Bosco, 1494 - el que se marcha. William le pone alas para identificarlo. Su mirada se dirige hacia lo que deja atrás. Se va volando en una palma, como una bruja sobre la escoba.  He aquí el humor sutil de William Hernández, queriendo dar a entender la determinación de aquel.
El   que permanece arraigado a su terruño, lo ubica en un primer plano. Del cuerpo le brotan retoños. Su corazón tiene raíces que penetran profundas  en la tierra de su propio cuerpo.

Sueños y Desvelos de Wampampiro Timbereta, 2001
El mensaje nos llega vigoroso. La mirada del personaje en primer plano,  en gesto de desconfianza  interroga al espectador. ¿Tendrá el mismo derecho que él, su hermano, si regresara algún día? Este elemento psicológico tan caro para William le permite establecer una tensión sugerente entre su obra y el público. En otras obras los rostros dirigen la mirada por encima del espectador como congelada en la eternidad. Allí  es donde seguramente en un futuro quedará este artista por la calidad de su obra. 




El Hechizo del Vacío


Mujer dormida… El Sueño de Medusa… Elías Federico Acosta.

 Elías Federico Acosta. Cienfuegos 1964. Artista de la plástica. Graduado de la Escuela Nacional de Arte, ENA, La Habana. Reside en Cuba. 

Desde hacía años y como una constante estuvo  signando la obra de Elías Federico Acosta, un tropo[2] que por la reiteración con que aparecía, devino arquetipo y terminó por constituirse en identitario de su quehacer, comenzó siendo la evolución lógica de otro gestado en la década de los noventa, mientras creaba ciertas figuras de aspecto felino que apoyaban un mensaje conceptual.
No fueron pocas las personas que debieron preguntarse la razón por la cual este artista que asombraba por el hermetismo intelectualizado de sus propuestas, se hubiese detenido tanto en un tema de cierta forma trivial como la representación de la música en la pintura, sobre todo por el hecho de que a lo largo del tiempo ha sido en la mayoría de los casos un complemento del asunto principal.
Este aparecía la mayoría de las veces acompañando escenas de la vida mundana o banquetes, ya en remotas culturas, como en los frescos de la tumba de Nakht, en Egipto, donde dos músicas amenizaban un convite en unión de una bailarina. Por su parte, los etruscos nos legaron el fresco titulado también “Los Músicos”, ubicado en la tumba de Los Leopardos, en Tarquinia, Italia, hacia el año 470 a. n. e.

Estos son sólo unos pocos ejemplos de lo ampliamente abordado que ha sido este tema a lo largo de la historia. Para este artista sobrarán siempre las razones que lo llevaron a incursionar en él, mucho más si tenemos en cuenta que esa es la profesión de su esposa, además del respeto que siente por la tradición, abordada desde un lenguaje muy personal.

No importa la interrogante que se le haga al respecto, Elías suele escabullirse restando importancia a sus creaciones: - me siento cómodo haciéndolo; es sólo un ejercicio técnico; no intento crear nada nuevo; ocupa el tiempo en algo más importante - Éstas y otras similares son sus respuestas. ¿Acaso se da poco valor o él mismo es consciente de no estar dando todo de sí?

De cualquier forma esta actitud erige una pared infranqueable a quienes intentan acercarse más de lo debido y en mi  opinión personal, ha desarrollado una capacidad mimética que le permite expresarse sin que nos percatemos del mensaje. Mimesis en este caso, no la copia fiel de la realidad, sino el modo de enmascararse algunos animales adoptando las características del entorno, o sea, simulación.

Hacia el año 2000 su poética centra la atención en la figura femenina desde una composición extremadamente sintética despojada de todo lastre anecdótico. Sobre esa cuerda se mantuvo a lo largo de varios años. Se trataba de mujeres de aspecto monumental, más la carnalidad miguelangelesca o las adiposidades rubinianas son inexistentes en las de Elías Federico Acosta.

Pudieran considerarse la negación del ideal de belleza contemporáneo, más aún cuando la gordura conlleva cierta dosis de arrogancia y egoísmo, sin embargo Elías ve en esta abundancia posibilidades desde el punto de vista plástico. No ha sido el primero ni será el último en representar una imagen obesa.

En las obras se advierte apego por el dibujo. Su línea estilizada evidencia economía de detalles, lo que sumado a la reiteración del modelo influye en la creación de mujeres arquetípicas. Ellas se hallan en poses relajadas, en las cuales no se observa tensado ni un músculo, con la apariencia y el desconocimiento ante el peligro de hacer equilibrio sobre algún objeto inestable. Este podía ser una  pelota o un cubo prospectico parado sobre su vértice, detalle que se pone de manifiesto y nos remite a Niña sobre un Balón, de Pablo Picasso, sin embargo, pese a la apariencia frágil, esa criatura creada por tan genial artista resulta más real que las “Gordas “de  Elías.

Estos elementos, balón y cubo, introducen una tensión tal que unida a la simplicidad compositiva resulta en una atmósfera inquietante. El perceptor espera de un momento a otro la caída de la robusta figura debido a la inestabilidad de su superficie de apoyo, pero es imposible que caigan. Se hallan en un plano quizás metafísico por la neutralidad del fondo que irá evolucionando hacia otro de manchas subjetivamente resonantes, a modo de representación del vacío existencial, lo que se acentúa en algunas obras por la presencia en dicho fondo de pompas de jabón.  Símbolo de inconsistencia.

Los objetos calificados de inestables podían ser hallados, en ocasiones, a uno u otro lado de la composición como elementos de latente acechanza que irán desapareciendo al igual que los instrumentos hasta quedar las figuras, libres de accesorios.

Ellas se presentan, primero en solitario, luego en conjuntos sin relación entre sí. Mujeres que miran, inquieren al espectador con una mirada felina proveniente de etapas anteriores, la que pertenecía a verdaderos felinos  igualmente siniestros. Lisa y brillosa la textura de sus cuerpos apoya la tesis de ser infladas.

Hace un tiempo ha introducido figuras masculinas que no son más que el ideal de la halterofilia, las cuales constituyen morfológicamente el opuesto de sus congéneres gordas, sobre todo porque éstos se muestran completamente contraídos. En esencia se trata de la otra cara del mismo fenómeno.

Hay una pregunta que salta a la vista. ¿Por qué son tan siniestras estas mujeres si carecen de armas y su superficie rolliza y curva pudiera darles un aire sensual que en definitiva poseen? A mi modo de ver, su desnudez es simbólica, no puede traducirse en erotismo, ¿vacías… nada que ofrecer...? He ahí el peligro.




                                      De la serie “Las Músicas” Elías Federico Acosta













El Beso

De la serie El beso, Elías F. Acosta.

Elías Federico Acosta. Cienfuegos 1964. Artista de la Plástica. Graduado de la Escuela Nacional de Arte, ENA, La Habana. Reside en Cuba.
Besarse tiene un lugar destacado en nuestras vidas. En el mapa del cerebro, la boca ocupa más espacio que los órganos genitales… Solamente  la mano y los dedos ocupan tanto espacio cerebral…El beso se percibe como eléctrico…

Se sabe que los niños huérfanos tienen más posibilidades de morir solo por no recibirlos… Julieta Sanguino[3] lo describe como “el instante más placentero que experimentamos” (Cultura Colectiva, 2015). Un mínimo momento que genera un placer infinito… Es decisivo, el todo o nada que define si una pareja funcionara…
En nuestros días el beso ha perdido un poco el halo de sacralidad que lo envolvía en épocas pretéritas y ha sido tema de obras famosas desde “Dafnis y Cloe”[4]. Como tema transcurre a través del arte y nos sorprende ahora, cuando es objeto de representación bajo la autoría de Elías F. Acosta, quien de repente ha dado un giro en el modo de abordar la figura humana, luego de haber trabajado la extensa serie “Músicos”, constatando nuevamente su apego por  la tradición develada por los protagonistas. 

Acostumbrados a su modo hermético de plasmar los mensajes, nos enfrentamos a una serie cuya única razón de ser es la búsqueda de la autocomplacencia, de una estética hedonista nunca antes vista en el dossier de este artista. La atención  deja de focalizar exclusivamente a la mujer. El protagonismo ha sido ocupado por parejas de amantes en poses que revelan un erotismo suave. Algo que no nos regalaron  “Las gordas”.

La construcción de las figuras sigue siendo convencional, por la preferencia  de un modelo de líneas estilizadas que reitera continuamente, sin embargo  se observa todo un regodeo en el tratamiento de la volumetría. Ya no son las figuras de aspecto inflado de la serie anterior, las que parecían haberse erigido en arquetipo del vacío existencial, sino atletas.

Aunque la expresión facial esté congelada, se respira una atmósfera de lirismo. La calidad expresiva se traslada al gesto corporal. Cuerpo que gracias al derroche de músculo pudiera confundirnos y hacer  que veamos algo real. Nada de eso. Se trata sólo de ensoñaciones cuya inmaterialidad trasluce la del fondo, un espacio ideal, pleno de resonancias subjetivas.

La ubicación de partes anatómicas semitransparentes en la composición, representa la huella fantasmal de la presencia humana en ese sitio, acentuando el dinamismo y la sensualidad de las obras, que muestran a estos elementos tocando las zonas erógenas, o simplemente creando sensaciones de movimiento. Los ojos son el espejo del alma, pero estos son oblicuos, tienden a ocultarla y ofrecen cierta malicia, en el buen sentido.

Definitivamente, la percepción de estas obras produce un efecto hipnótico en el espectador ante el virtuosismo técnico. He aquí esa capacidad mimética, mediante la cual el artista conforma un escudo, que le permite mantener la privacidad a ultranza.


Referencias
· Sanguino Julieta, (2015). Los Mejores Besos en la Historia del Arte. Recuperado culturacolectiva.com/los-mejores-besos-en –la-historia-del-arte/



Complementos… Crear para Crear


Escultor, Dibujante, Ceramista,…Juan García Cruz. 1957. Matanzas. Graduado de la Escuela Nacional de Arte, ENA, La Habana. Reside en Cuba. 
De una forma u otra, todas las culturas han ido acumulando su propio saber en materia de técnicas y oficios artísticos… La técnica o habilidad adquirida responde a la parte instintiva. Por ensayo y error vamos desarrollando habilidades y aprendiendo a partir de esa relación causa - efecto... 

De la aplicación práctica de los conocimientos científicos surge la tecnología... De hecho, la cultura es un todo, donde el arte se entremezcla tanto con la ciencia como con  la tecnología... Entonces…

En Cuba, donde no se cuenta con una cultura, milenaria y tampoco con una tecnología de punta adquirible en el mercado que supla la carencia de conocimientos tradicionales, el artista  y en particular el escultor, debe ser consciente de todo el esfuerzo físico e intelectual que deberá desplegar como inventor de sus propios medios de producción.

Quizás fuera por eso que Juan García Cruz me dijera alrededor del 2005 (…) -¿Para qué voy a realizar una exposición personal, si tengo una permanente (…). Se refería  a sus esculturas ambientales. Y continuó - es más debería exponer toda esa serie de instrumentos, moldes, máquinas que he tenido que elaborar para dar solución a la necesidades que se me han presentado en la práctica de mi especialidad…
Estas ideas debieron ser la gestación de la muestra que hoy se re expone en el Centro Provincial de Arte, y digo esto pues Juan  considera expuesto todo aquello que se halle a la vista. Y estas piezas ya lo están en su taller aunque cumpliendo funciones de carácter utilitario.
El desarrollo del sigo XX ha permitido que cualquier objeto tridimensional pueda ser consumido como escultura en virtud de su diseño y concepto. Juanito comparte esa idea que ha sido ampliamente explotada desde que Marcel Duchamp expusiera su urinario con el título de “Fuente”. Tampoco ha sido el único interesado en la confección de máquinas. Es del conocimiento de muchos la atención que puso Leonardo Da Vinci al diseño de sus artefactos.
 Algunos artistas afiliados a las vanguardias en el ya citado siglo, hicieron descubrimientos relacionados con la luz, y el espacio, para lo cual crearon las propias, buscando trascender lo límites de la visualidad pero con un fin meramente estético.
En Cuba no son pocos los ejemplos: tenemos a Lara donde se aprecia un trabajo con la forma, el color, y las texturas o el de William Pérez quien se interesa por la dimensión simbólica de sus artefactos por solo mencionar a dos de ellos.
La muestra que nos trae Juanito difiere de las anteriores en que sus complementos no son un fin, sino el inicio de donde parte para llevar a vía de hecho sus creaciones. Sus piezas ofrecen una gama de soluciones tan amplia como las funciones que cumplen. Fueron confeccionadas con materiales disimiles, mediante la selección de algunos elementos industriales y otros elaborados por él. Aunque su apariencia es rustica e inacabada, en ocasiones, pueden ser disfrutadas tanto por su valor estético como funcional.
Es más, la procedencia diversa de las partes constituyentes provoca cierto humor al ser reconocidos y confrontados entre sí por la apariencia un tanto estrafalaria de sus soluciones. Para el autor poseen un valor sentimental adicional que va más allá de su idoneidad utilitaria y si consideramos el disfrute que implica el proceso de la creación de una obra de arte pudiera aventurarme  a descubrir cierto carácter lúdico.
Hay una capacidad inventiva que se manifiesta a partir de una voluntad recuperadora, de reciclaje, lo cual evidencia sabiduría acumulada a lo largo de años de lidia con la falta de recursos.
Asistimos entonces, mediante la muestra” Complementos…Crear para Crear “a la descontextualización de una serie de piezas pertenecientes al universo del Estudio “La buena Pipa “, las que al ser refuncionalizadas en un espacio expositivo, adquieren categoría de objeto esculturado. Es así que pierden momentáneamente, la función para la que fueron concebidas, revalorizándose la estética y visual.
La muestra para su mejor comprensión pudiera dividirse en: bocetos maximizados de las piezas expuestas y ejemplos de lo que se obtiene a través de su uso, tarrajas, moldes y troqueles así como equipamiento.
De esta manera esperamos democratizar parte de ese universo tan cerrado y especifico e inyectar una dosis de energía a los escépticos que aún quedan.
Referencia
Fargas Joaquín, (2017). EL ENCUENTRO DEL ARTE, LA CIENCIA Y LA TECNOLOGÍA. Número 65 Revista digital Razón y Palabra. Recuperado 22-05-2017 23:32: www.razonypalabra.org.mx/N/n65/actual/jfargas.html





Escultura Ambiental, Jardines del Hotel Rancho Luna, Cienfuegos, Cuba, Juan García Cruz

Juan García Cruz
Julio Ferrer en Diferentes Momentos


Eyacularte. Mención Salón Provincial 5 de Septiembre. Centro de Arte. Cienfuegos, Cuba 2003
Julio Antonio Ferrer Guerra. 1973. Cienfuegos, Cuba. Pintor, dibujante, ilustrador, Creador Independiente. Graduado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas, ENA, La Habana. Reside en Canadá.

Hay artistas para los que la sociedad no está preparada. No porque constituyan un peligro sino porque son  capaces de develar lo que está a los ojos de todo el mundo, pero por ser incómodo y obvio no vemos.
Pareciera que Cuba no está preparada para Julio Ferrer.
Los temas que aborda son los que se viven cotidianamente: la emigración; la prostitución ligada al fenómeno del turismo; los héroes de la revolución desmitificados y consumidos como suvenires; los autos y los efectos electrodomésticos antiguos.
Todo ello despojado de lo anecdótico crea una atmosfera de atemporalidad que  convierte estas representaciones en lo clásico, o mejor aún en cliché y son los símbolos con  los que se identifica a Cuba en el exterior. Es por ello que muchos creen que no aporta nada nuevo. Sus textos, sus imágenes están ahí  en la calle, en las casas y son recurrentes. ¿Pero acaso la realidad que se vive en Cuba no lo es también, en un sentido más abarcador?
 Este artista  se nutre del Pop Art, específicamente de la obra de Roy Liechtenstein. De él toma el lenguaje del Comic, por lo que sus pinturas tienen la apariencia de viñetas. Este recurso le permite cierto distanciamiento de la realidad en el sentido emocional y atenúa la violencia de lo que nos quiere comunicar.  Su  dibujo sintético,  convierte a sus personajes en estereotipos.
Puede decirse que el humor omnipresente se intensifica por el uso de grandes formatos. Humor ácido pudiendo llegar a ser negro como en la serie “Embarcaciones menores”.  En ese salvavidas flotando solo a la deriva en un mar rojo de sangre, cuyos motivos decorativos, extraídos de las historietas, son tiburones con sonrisa sarcástica.

Embarcaciones menores versión #3, 2005
En algunas ocasiones es más picaresco como en “Eyacul’arte”, 2003 donde juega con el título y la cita a la obra “La gran ola” del artista japonés Katsushika Hokusai, no sin dejar de abordar temas como el machismo y la prostitución.
En otras llega a ser escandaloso al confrontar símbolos excluyentes en una misma obra. Ejemplo “Jinetera”, 2011 donde utiliza el obelisco a José Martí de la Plaza de la Revolución en forma invertida y lo coloca de tacón en el zapato que a todas luces vemos que es de una prostituta.

Jinetera, 2011
El poder de síntesis le permite construir obras de una fuerza conceptual abrumadora. Las imágenes, aunque complejas por la yuxtaposición de citas no son herméticas.  El mensaje nos golpea en el rostro.  Más no siento que Julio luche, combata, batalle o guerree, provoca. Su mirada es la de un crítico que satiriza. Se ríe, como todo buen cubano de sus desgracias, pero en el  fondo subyace  una nota de amargura.
El color plano y contrastante es también pop, hipersimplificado, intelectual. Tiene preferencia por el acrílico que le permite una tonalidad mate. La gama es  bastante reducida, con un predominio de los colores patrios: rojo, blanco y azul además de negro. El azul le permite, en muchas ocasiones,  bajar la temperatura  del mensaje.
            En casi todas sus obras se respira una atmosfera de erotismo pero este no es para él un fin en sí mismo como tampoco el lenguaje pop como en el caso de su maestro, sino un medio para expresar los conceptos, Julio nos los muestra de forma chocante para los púdicos ojos de los conciudadanos. Manera violenta de romper tabúes fuertemente afianzados. El no crea nada que no coexista con nuestra realidad, solo descubre y nos lanza de manera artística sus mensajes.

  
            Eureka, 2004
                                                      
                                                
                                                                                                                               Julio Antonio Ferrer Guerra
Sobre la Punta de la Estrella

                     Flor, Güiro, Maraca,  1951. Mateo Eustaquio Torriente Bécquer.

Mateo Eustaquio Torriente Bécquer, 1910 - 1966. Palmira. Cienfuegos. Pintor y Escultor, Graduado de la Academia San Alejandro. La Habana. Forjado en Escuelas de Artes Plásticas de París.   Embajador de Corea del Norte.

Nacido en una ciudad donde las Artes Plásticas eran apreciadas como una inversión y por su esencia foránea, Mateo Torriente Bécquer, primer gran escultor de Cienfuegos, fue admirado en su suelo natal por unos pocos entendidos…y censurado por muchos.
En esa sociedad carcomida por prejuicios y doble moral, la sensualidad debía confinarse al fondo del pozo de los deseos y aflorar tímidamente como el musgo sobre la pared del brocal.
            Tres son las divisiones que se pudieran hacer de las obras eróticas de este autor que atesora el Museo Provincial de Cienfuegos. La primera conformada por las esculturas influidas por la abstracción orgánica; la segunda por obras figurativas femeninas; la tercera por bocetos de desnudos masculinos. Tanto las de influencia abstracta como las figurativas influenciadas por el impresionismo fueron realizadas entre finales de la década del cuarenta y principios de los años cincuenta.
En las abstractas construye una poética a partir de la recontextualización de elementos de diversa procedencia, los cuales actúan a partir de connotaciones provocadas a nivel subjetivo. Aquí el título es importante, pudiendo sugerir asociaciones: un pecho puede ser tratado como güiro, una mano como flor y de esa mezcla poética, formal y lingüística se desprende una gran sensualidad, ejemplo de ello son “Flor, Güiro y Bajo”, donde el erotismo aparece vinculado a la música, en un nexo estrecho entre esta y la esencia del cubano.
Es evidente que el autor no deseaba mostrárnoslo de forma directa sino que empleó la metonimia[5] y la sinécdoque[6]. La presencia de partes de algunos instrumentos musicales, aportan cierto sabor autóctono dentro del carácter universal de  sus obras.
La mesura y formalidad que proyectaba Mateo Torriente a nivel social estaba a tono con lo que se esperaba de un hombre de su tiempo, pero su modo de expresarse plásticamente es el de un artista reñido con el ideal estético en su localidad ejemplo de ello son las esculturas figurativas que revelan un hombre agobiado por angustias existenciales.
Tal es el caso de Figura III “Angelote” cuya volumetría la hace parecer muy pesada para colgar, no obstante haber sido concebida con ese fin. De hecho, la obra ofrece un sentido dual y  contradictorio. Al estar inscrita en un aro la pose de por si erótica comunica limite. Para intensificar el dramatismo de la obra, el autor hizo penetrar en el seno de la figura, un alambre proveniente del aro. La textura rugosa, el color sucio, así como la expresión corporal y del rostro son elementos de apoyo al significado profundo de la obra. La dualidad se observa  en la coexistencia del placer y el dolor unidos a lo sexual.

Figura III (Angelote), 1950- 1953. Mateo Eustaquio Torriente Becquer
Para  la  concepción  de  las obras  figurativas, Mateo seleccionó  un  modelo  mestizo - caribeño como forma de autoexpresión desde el punto de vista racial. Por sus dimensiones y materiales parecen bocetos para un proyecto monumental en bronce “Estrella con Caracol y Cuerno”, el cual llevo a cabo en 1951, en homenaje a las víctimas cienfuegueras de El  Mambí: barco hundido por los nazis en aguas territoriales.
Un sello inconfundible inspirado en lo que significó el naufragio de este barco llevan las obras que creó entre 1951 y 1953. Mateo volcó en ellas todo un mundo interior poético donde el erotismo se da la mano con la muerte. Quizás estas dos categorías tan opuestas, en el estuvieron arraigadas desde siempre dada su inclinación homosexual. Algo que en su tiempo significaba un tabú y que lo llevaría a suicidarse al sentirse incomprendido.
De gran poesía “Figura I” pretende ser una metáfora de la muerte como renacimiento, solo que en un plano espiritual. La figura representa una mujer desnuda  yacente cuyas extremidades inferiores nos hacen recordar la posición adoptada por un bebe. En ella hay un sentido expresivo del cabello revuelto,  efecto  que evoca el movimiento del agua así como el de las algas, del fondo marino acariciando el brazo y el pie. Estos elementos fitomorfos establecen una tensión con las zonas erógenas del cuerpo pese a la idea central que emana de la escultura, apoyada por la expresión atemporal del rostro.
Esta idea de la muerte vinculada a lo erótico es apreciable también en “Arrecife”, obra que fue construida empleando  formas tomadas del mundo orgánico marino que al combinarse semejan un arrecife coralino. Ello está dado por el  empleo de dichas formas de manera superpuesta creando entrantes y salientes a modo de calado, aunque se reiteran en la base de la escultura los miembros inferiores de un ser humano en pose sedente, al igual que en “Flor, Güiro, y Maraca” y “Figura VI”. El uso de la sinécdoque se aprecia en un seno excitado en unión casi carnal con lo que pudieran ser corales de apariencia fálica.
            El erotismo sobresale a pesar de la carga dramática, gracias a la utilización de la curva y los volúmenes rotundos que recuerdan a Arístides Maillol, aunque la desnudez femenina no se tiende a idealizar.
En “Figura atormentada”- obra, en mi opinión,  inspirada en “La femme accroupi” de Rodin – la pose antiacadémica expresa una gran fuerza interior contenida. El autor escondió detrás de una pierna el gesto erótico de la otra. Ese afán por ocultar es una constante en la obra de Mateo. El de la cabeza apoya la idea de  represión, dolor, e impotencia.
            A veces el erotismo es velado como en su obra “El gallo”. Se trata de un volumen abstracto que dirige sus partes en distintas direcciones. En una primera lectura y como su nombre lo indica advertimos  la presencia  de un gallo en la posición de canto, sin embargo, la presencia de un elemento agudo enfrentado a un orificio en la parte superior  de la escultura por metonimia  transmite la idea del acto sexual. Los elementos que se abren hacia ambos lados a modo de alas evocan de manera general el momento del clímax.
Un misterio inquietante se desprende de ellas, aunque es mucho más evidente en “Figura VI”. Esta pieza está a medio camino entre la figuración y la abstracción. La estructura que parece conformar una mujer sedente se reitera en este periodo. Lo inacabado del rostro, así como la asimetría morfológica del cuerpo crean una obra enigmática de aspecto surrealizante que atrae sobremanera la atención del espectador, quien busca terminar con la vista lo que el artista dejo inconcluso. Hay una relación de tensión entre tres de los elementos de esta obra que  por su posición forman un triángulo, cuyo punto de apoyo está dado por uno de sus vértices. Estos son un seno excitado y dos orificios a modo de clítoris y boca. Las manos  han sido tratadas en su implicación sensual –táctil, creando una obra de gran dinamismo.
Los dibujos de desnudos masculinos son bocetos realizados, probablemente como entrenamiento del autor. Con economía de medios capta la flacidez del musculo relajado por el descanso. Hay todo un conocimiento de la anatomía masculina, trabajada con mucha soltura y complacencia, captada quizás desde la más absoluta intimidad. Pareciera que al trazar estas escazas líneas lograba la paz. El erotismo está en lo violento del escorzo realizado con mucho dominio que deja al descubierto, en primer plano, las partes pudendas aunque sin mucho detalle, así como en la inocente placidez del que descansa, ignorante del ojo que lo observa.
Es significativo como el autor apenas se interesa por los rasgos faciales del representado. El no acudir al detalle es un rasgo del disfrute prohibido. Es además la expresión de un conflicto que radica en la necesidad de encubrir el yo propio y el del otro como represión  a una orientación sexual diferente de la establecida, generándose la inquietud que está presente también en las obras escultóricas antes abordadas.














Desnudo de Frutas

De la serie desnudo de frutas, 2006. Yasel Fundora Lleo
Yasel Fundora Lleo. Pintor, Graduado en 2006 por la Academia de Artes Benny More de Cienfuegos.

En los albores del tiempo, cuando los ojos del hombre se abrieron al entendimiento, tomó este conciencia de que era portador de una semilla y que al plantarla se convertía en creador de su descendencia.
De los pechos de la mujer manó la leche y la elevó al panteón de los dioses por ser gestora de la vida y por tanto de la abundancia y la fertilidad. No sabiendo que misterios de la naturaleza obraban en la reproducción creó un complejo sincrético mágico religioso para perpetuar este fenómeno.
El sexo devino religión. El cuerpo fue su templo más inmediato, alimento para la descendencia y fuente de placer.
            Yasel Fundora no hace un viaje a este pasado. En el presente el hombre sigue encontrando analogías entre el cuerpo humano y los manjares. Esto se observa en la psicología del latinoamericano y en particular del cubano, a través del piropo y el lenguaje popular…Pueden ser citados incontables ejemplos,... - Eres un manguito; Hermosa como una manzana; Es un pastel; Te comería toda; Es un bombón que camina;…entre otros. .
            Fundora, el artista, se siente heredero de la tradición al abordar el tema del bodegón, ampliamente trabajado en Occidente, desde un punto de vista  singular en este caso.
            Su poética es puramente sensualista. La serie Desnudo de Frutas ofrece una inmersión en el mundo de las sensaciones. El reposo y estatismo comunes en obras dedicadas a estos temas  desapareció. Más bien contrasta con ellas por el dinamismo compositivo.
            Caótico y abarrotado el espacio confronta un conglomerado de figuras cuya base de apoyo es inestable y gracias al imperio de la curva han perdido su apariencia real. De todo ello resulta una amalgama, una promiscuidad de masas y elementos que se tocan, se deslizan, se transparentan, irrumpen. Es el apetito carnal desde la subjetividad del artista.
            Hay una equivalencia entre esas masas orgánicas un tanto abstractas que sugieren el desnudo humano y los elementos provenientes del bodegón: frutas, botellas, cuencos, vasijas. Todos han sido tratados de igual manera  desde el punto de vista cromático y textural, creando una atmosfera de voluptuosidad.
El cuerpo es una forma apetecible, las frutas, las botellas poseen formas  que evocan genitales  pero nunca de una evidencia rotunda. En algunas áreas difuminadas se logra el tono erótico más sugestivo y otras presentan un aspecto inacabado que lleva al espectador a querer terminarlas.
El color es vital, de una calidez que raya en la pasión; la luz el éxtasis.
             Influencias se aprecian. Detrás percibimos las transparencias de Elías Acosta, sus formas plenas. La línea y el tema recuerdan a  Mariano en Frutas y Realidad. Por la singularidad con que resuelve  sus obras este es a mi modo de ver un buen comienzo para Yasel Fundora LLeo.


El Mural de la Plaza de Juegos de Santa Cruz

Fragmento del  Mural de la Plaza de Juegos de Santa Cruz. Dasic Fernández
Dasic Fernández. 1987. Compañía, Rancagua. VI Región. Chile. Muralista. Estudio  Arquitectura. Residente en Nueva York.  

La finalidad de una Plaza de Juegos, en mi opinión, es la de brindar un espacio para el recreo de los menores, para que compartan con sus amigos y familiares, además de aprender normas de urbanidad. Estos espacios al servir al ornato público humanizan el entorno de la ciudad, la hacen más acogedora y propician el encuentro de los ciudadanos. 
            El mural de la Plaza de juegos de Santa Cruz, fue realizado atendiendo a uno de objetivos del Plan Municipal de Cultura, el cual tiene la tarea de realizar murales comunitarios a partir del Proyecto Fondo Nacional de Desarrollo Regional, y su 2% FNDR “Mi Barrio Pinta su Historia”. El mismo está enfocado en rescatar la identidad cultural  de la localidad a través del vínculo artista comunidad.
Y para ello quien mejor que Dasic Fernández, uno de los muralistas chilenos contemporáneos más destacados a nivel internacional, cuya obra es fruto de estos vínculos.
             “…Quiero sacar a la gente de sus zapatos por un segundo, quiero que mi pega sea una ventana que los succiona y se los lleve a otra realidad paralela  y que no se den cuenta por cuanto tiempo viajaron...”[7]
            Este inquieto artista, heredero del grafiti y de la cultura Hip Hop, cuenta con una lista interminable de obras en su quehacer, diseminadas por numerosos países de América incluidos los EE. UU y fundamentalmente la ciudad de Nueva York, donde reside en la actualidad.
Con solo 13 años comenzó su interés en el grafiti, que le serviría para expresarse en momentos difíciles. Más tarde  mientras cursaba la Carrera de Arquitectura se dio cuenta que estos estudios le servirían para entender el sentido de los espacios urbanos. De ahí la coherencia que muestra el Mural de la Plaza de Juegos tanto con la idiosincrasia de la ciudad, como con la función para la cual está destinada.
            El ciudadano de Santa Cruz reconoce en este mural aquellos  elementos que caracterizan su cultura: el caballo, la garza, las uvas, el huaso. Estos, han sido utilizados hasta la saciedad en obras de otros artistas. Dasic no los resuelve miméticamente, como estamos acostumbrados, más bien los descompone y ofrece fragmentados, chorreados, en ingravidez, de ahí su potente sabor contemporáneo.
             Su estilo es una mezcla  de realismo y pintura de la imaginación, con lo que logra un equilibrio entre la materialidad y lo intangible, creando un mundo onírico al que nos transporta.
            Esta no es una obra complaciente aunque lo parezca. Existe en ella una crítica velada por la belleza resultante en cuyo trasfondo hay una nota de tristeza casi filosófica, apreciable en esas nubes crepusculares símbolo de la inconsistencia, de lo efímero.


Fragmento del  Mural de la Plaza de Juego Santa Cruz, Dasic Fernández

No sabemos muy bien si el autor pretende componer una realidad o descomponerla, a través de puzles coloridos. A ratos la diluye en esas uvas - gotas que se chorrean en ingravidez. Todo el mural se unifica gracias al fondo de un negro ignoto tan obvio, ya que otra solución  no habría sido apropiada para tanto color.
 Y a pesar de todo lo anterior este maravilloso mural nos hace una ciudad más feliz.


   






Referencia
Araus Magdalena (2015).El chileno que conquista las calles de Nueva York con sus murales. Recuperado: www. El definido.cl/actualidad/país/4866/el-chileno-que-conquista-las-calles-de-nueva-york- con-sus-murales/




Epílogo
Desde Cuba hasta Chile es la recopilación de una parte del  trabajo de una historiadora del arte cubana residente en Chile.
En aproximadamente cincuenta páginas realiza una mirada escrutadora a  once artistas cubanos y un chileno. La de este  último,  diseminada por toda América Latina llega hasta los EEUU.
La propuesta de cada uno es diferente. Estilos muy personales diría y no me atrevería a encasillarlos,  influencias innumerables, contemporáneos todos. Hay confluencias como la preocupación por el ser humano, los temas sociales, el erotismo. Transgresores la mayoría de las veces.
Me queda invitarlos a adentrarse en las páginas de este libro que lo llevara a indagar más sobre la obra de estos creadores, y como se trata en su mayoría de artistas cubanos no los encontrará a todos en Internet.










Glosario
Grupo Punto y Coordenada Arte Sur:      Grupo conformado por artistas visuales, la mayoría oriundos de la ciudad de Cienfuegos. Agrupados en torno a los teóricos Oriol Guillen y Daniel Riveros. Aparecieron en octubre de 1995. Llevaron a cabo una obra de resistencia de alto valor antropológico, enfocada en decodificar la realidad cubana del interior de la Isla de Cuba. Estuvieron agrupados aproximadamente un lustro y aunque se separaron se han mantenido en contacto.
Sub payaso:  El prefijo sub nos remite a lo que está debajo. El payaso es un personaje del circo que asociamos con la comedia, la risa, la alegría. También con  lo ridículo, lo patético risible y lo tragicómico. En este caso Sub payaso es una exposición realizada por el artista de la plástica cubana Alexander Morales Núñez en 2006, en el Centro Provincial de Arte de la ciudad de Cienfuegos. La misma explora un nivel más visceral de la psicología humana. Su discurso apunta al lado oscuro que habita tras la máscara que todos usamos en sociedad.
Agujero de gusano: Es un túnel que conecta dos puntos del espacio - tiempo, o dos Universos paralelos. Nunca se ha visto uno y no está demostrado que existan, aunque matemáticamente son posibles. Hay dos clases de agujeros de gusano:
- Intrauniverso: conectan dos puntos alejados del Cosmos.
- Interuniverso o agujeros de Schwarzschild: conectan dos Universos distintos.
Los científicos creen que un agujero de gusano tiene una vida muy corta. Se abre y vuelve a cerrarse rápidamente. La materia quedaría atrapada en él o, aunque consiguiera salir por el otro extremo, no podría volver. Evidentemente, tampoco podríamos elegir adónde nos llevaría.
Recuperado 23/05/2017 16:57. Revista digital ASTRONOMIA http://www.astromia.com/universo/agujerosgusano.htm
Posmodernismo:      Movimiento cultural que surgió en el último cuarto del siglo xx y que propone libertad formal y cierta tendencia al eclecticismo, en contraposición con la rigurosidad de la arquitectura moderna. No es tan fácil de definir debido a que esta palabra es usada en diferentes áreas de estudio: arte, cine, arquitectura, literatura, religión, verdad, etc... el posmodernismo es relativismo. El posmodernismo es una reacción contra las estructuras lógicas de la verdad del pensamiento moderno que nos dieron propuestas absolutas acerca de la naturaleza, del tiempo, del espacio, de las matemáticas, de la habilidad del conocimiento, de la repetitividad en la experimentación, de lo predecible, etc…
Recuperado revista digital MIAPIC. 23/05/2017   17:14
Manierismo: Quizás uno de los estilos artísticos más subestimados, el Manierismo tomó lugar en Europa occidental en la segunda mitad del siglo XVI, cuando los elementos principales del Renacimiento empezaban a entrar en crisis. Si bien todavía mantenía muchas de las características más importantes del arte renacentista, el Manierismo significó un progresivo abandono de la proporción de las figuras, de la perspectiva espacial, del uso de líneas claras y definidas y de las expresiones mesuradas y dulces de los personajes renacentistas. Para muchos expertos, el Manierismo es un período de transición entre el arte renacentista y el arte barroco de los siglos siguientes. El nombre de Manierismo tiene que ver con la idea de que los pintores de este período comenzaron lentamente a pintar "a su manera", siguiendo las reglas generales de la pintura pero interpretando sus bocetos y lo que observaban de la realidad de modo único y personal. En muchos casos, el término manierismo fue utilizado con cierto tono despectivo al considerarse que los pintores de este estilo no representaban la realidad como esta debía ser representada, si no que realizaban copias inexactas de los autores renacentistas…
Recuperado revista digital DEFINICIÓN ABC. 23/05/2017   17:32
Actante: Término originalmente creado por Lucien Tesnière y usado posteriormente por la semiótica para designar al participante (persona, animal o cosa) en un programa narrativo. Según Greimas,1 el actante es quien realiza o el que realiza el acto, independientemente de cualquier otra determinación. El concepto tiene su uso en la semiótica literaria, en la que amplía el término de personaje, porque no sólo se aplica a estos tipos de actantes, sino que corresponde al concepto de actor, definido como la figura o el lugar vacío en que las formas sintácticas o las formas semánticas se vierten.
Aplicado al análisis del relato, un actante es una amplia clase que agrupa una sola función de los diversos papeles de un mismo rol actancial: héroe, villano, ayudante...
Recuperado de Wikipedia. 23/05/2017   17:43
Alberto Durero: Ealemán Albrecht Dürer;1 Núremberg21 de mayo de 1471-Núremberg, 6 de abril de 1528)2 es el artista más famoso del Renacimiento alemán, conocido en todo el mundo por sus pinturas, dibujos, grabados y escritos teóricos sobre arte. Ejerció una decisiva influencia en los artistas del siglo XVI, tanto alemanes como de los Países Bajos, y llegó a ser admirado por maestros italianos como Rafael Sanzio. Sus grabados alcanzaron gran difusión e inspiraron a múltiples artistas posteriores, incluyendo los nazarenos del siglo XIX y los expresionistas alemanes de principios del siglo XX…
Recuperado de Wikipedia. 24/05/2017   16:06

Lucas Cranach el Viejo         (en alemánLucas Cranach der Ältere) (Kronach1472 – Weimar16 de octubre de 1553) fue un artista alemánpintor y diseñador de grabados en xilografía. El apellido real de este pintor hubo de ser Sünder (escrito también SunderSonder y Süündä). Es padre del también pintor Lucas Cranach el Joven (1515-1586)…
Recuperado de Wikipedia. 24/05/2017   16:11
https://es.wikipedia.org/wiki/Lucas_Cranach_el_Viejo

Samuel Feijóo:          Fue un artista cubano de formación autodidacta. Polivalente. (Villa Clara, Cuba  27 de noviembre de 1914_  Villa Clara, Cuba14 de julio de 1992) 

Carnalidad Miguelangelesca:         Me refiero al gusto y del artista renacentista italiano Miguel Ángel Buonaroti por la representación de sus  figuras con un aspecto muy terrenal (carnal) tanto en pintura como en escultura.

Michelangelo Buonarroti     (Caprese6 de marzo de 1475-Roma18 de febrero de 1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un arquitectoescultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.1 Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médici de Florencia y los diferentes papas romanos...


Adiposidades Rubenianas: En este caso me refiero al pintor Pedro Pablo Rubens cuyas figuras femeninas representadas con celulitis eran características.

Peter Paul Rubens: (SiegenSacro Imperio Romano Germánico, actual Alemania, 28 de junio de 1577-AmberesFlandes (Países Bajos Españoles), actual Bélgica, 30 de mayo de 1640), también conocido como Pieter PaulPieter PauwelPetrus Paulus, y, en español, Pedro Pablo Rubens,1 fue un pintor barroco de la escuela flamenca. Su estilo exuberante enfatiza el dinamismo, el color y la sensualidad. Sus principales influencias procedieron del arte de la Antigua Grecia, de la Antigua Roma y de la pintura renacentista, en especial de Leonardo da Vinci, de Miguel Ángel, del que admiraba su representación de la anatomía,2 y sobre todo de Tiziano, al que siempre consideró su maestro y del que afirmó «con él, la pintura ha encontrado su esencia»…3
Recuperado de Wikipedia. 24/05/2017   16:23

William J. Pérez Fernández: Escultor, dibujante, pintor, diseñador teatral y gráfico. Firma sus trabajos como William. Nace en Cienfuegos, antigua provincia de Las VillasCuba el 21 de octubre de 1965. Reside y trabaja en Cienfuegos.
Inició sus estudios en la Escuela Elemental de Artes Plásticas Rolando Escardó en Cienfuegos. Posteriormente continuó su educación artística en la Escuela de Artes Plásticas San Alejandro, La Habana graduándose de escultura en 1986
Recuperado de Ecured.  24/05/2017   16:45

Tomás Vicente Lara Franquis: Escultor, pintor y profesor. Entrenamiento en fundición artística Loveland, ColoradoUSA. Una obra suya es obsequiada cada año por el Consejo Nacional de las Artes Plásticas al artista seleccionado Premio Nacional de las Artes Plásticas. Firma sus trabajos como T. Lara.
Nace en Placetas antigua provincia de Las Villas, actualmente provincia de Villa ClaraCuba, el 27 de diciembre de 1957. En1976 se graduó de escultura en la Escuela Nacional de Artes Plásticas San Alejandro de La Habana, posteriormente en 1981 se graduó de escultura en el Instituto Superior de Arte (ISA)…
Recuperado de Ecured.  24/05/2017   16:48
José Julián Martí Pérez (La Habana28 de enero de 1853 - Dos Ríos19 de mayo de 1895),políticorepublicano democráticopensadorescritorperiodistafilósofo y poeta cubano, creador del Partido Revolucionario Cubano y organizador de la Guerra del 95 o Guerra Necesaria, llamada así a la Guerra de Independencia de Cuba. Perteneció al movimiento literario del modernismo
Recuperado de Wikipedia. 24/05/2017   16:59
Katsushika Hokusai: Conocido simplemente como Hokusa, (Edo, actual Tokio31 de octubre de 1760 - 10 de mayo de 1849) fue un pintor y grabador japonés, adscrito a la escuela Ukiyo-e del periodo Edo. Es uno de los principales artistas de esta escuela conocida como «pinturas del mundo flotante». 1 También es conocido por la diversidad de nombres que utilizó a lo largo de su carrera profesional, Shunro, Sori, Kako, Taito, Gakyonjin, Iitsu y Manji…2
Recuperado de Wikipedia. 24/05/2017   17:04
Roy Fox Lichtenstein: (Nueva York27 de octubre de 1923-ibídem29 de septiembre de 1997) fue un pintor estadounidense de arte popartista gráfico y escultor, conocido sobre todo por sus interpretaciones a gran escala del arte del cómic.
“Nosotros pensamos que la generación anterior intentaba alcanzar su subconsciente, mientras que los artistas pop intentamos distanciarnos de nuestra obra. Yo deseo que mi obra tenga un aire programado e impersonal, pero no creo ser impersonal mientras la realizo”. Roy Liechtenstein
Nació el 27 de octubre de 1923, en Nueva York en el seno una familia judía de clase media alta. Fue el primero de los dos hijos de Milton y Beatrice Werner Liechtenstein. Milton Lichtenstein (1893-1946) fue un corredor inmobiliario exitoso y Beatrice Lichtenstein (1896-1991), un ama de casa que había estudiado como pianista. Ella expuso a Roy y su hermana Rénee a museos, conciertos y otros aspectos de la cultura de Nueva York…
Recuperado de Wikipedia. 24/05/2017   17:09
Mambi: adjetivo/nombre masculino y femenino. Persona que luchó contra España en las guerras de independencia de Cuba y Santo Domingo en el siglo xix.
sinónimos:

Güiro: Es un instrumento de percusión. Está clasificado dentro de la división de los idiófonos (que suenan por sí mismos, sin cuerdas ni parches), en la rama de raspadores. Los güiros tradicionales provienen del calabazo seco, igual que la calabaza y las maracas que se construían con este fruto. Este accesorio de percusión es típico de Brasil y países de centro América, así como de Puerto Rico, Cuba, República Dominicana, Panamá y México.
Recuperado de Wikipedia. 24/05/2017   17:22
Maracas: son un instrumento idiófono y de oscilación constituido por una parte esférica hueca sostenida por un mango que la atraviesa, o está adherida a ella. En su interior se le llena con pequeños elementos percusivos, como piedras pequeñas o semillas, pedazos de vidrio, pedazos pequeños de metal, arroz etc., los cuales producen sonido al golpearlos contra la pared interna de la esfera.
En la música popular bailable latina de influencia cubana y en el folklore llanero venezolano-colombiano por lo general se encuentran en pares, una para cada mano, de ahí el término en plural "maracas". Las tribus indígenas tocaban una sola maraca. Las maracas son características de la música latina salsa.
Recuperado de Wikipedia. 24/05/2017   17:25
Surrealismo: Movimiento artístico nacido en Francia tras la Primera Guerra Mundial. Lo definió André Breton en su manifiesto 1924. Tiende a representar, sin precaución estilística alguna, la vida profunda del subconsciente, la labor delinstinto que se desarrolla fuera de los límites de la razón. El surrealismo es inmediato, irreflexivo y está despojado detoda referencia a lo real.
Recuperado de The free diccionario.  24/05/2017   17:31
Mariano: Mariano Manuel Rodríguez Álvarez, el 24 de agosto de 1912 en La Habana. Su madre Amelia Álvarez Álvarez, hija de padres asturianos, fue discípula de los pintores académicos Romañach y Menocal. Su padre José Mariano Rodríguez Cabrera, nació en Santa Cruz de la Palma, Islas Canarias, donde vivirá desde los tres hasta los ocho años.
En 1928 ingresa en el Instituto de Segunda Enseñanza de La Habana, para cursar el bachillerato. Solicita su matrícula en la Escuela de Artes Plásticas de La Habana San Alejandro, en la asignatura de dibujo natural y modelado. Al terminar el bachillerato comienza a dibujar e ingresa por segunda vez en San Alejandro. En 1936 es designado director artístico de la revista Ritmo. En octubre viaja a México con el escultor Alfredo Lozano, allí participa en el Congreso Nacional de Escritores y Artistas convocado por la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios (LEAR), celebrado en 1938, en el Palacio de Bellas Artes de la capital mexicana. Regresa a Cuba en el mes de junio de ese año donde forma parte del Estudio Libre de Pintores y Escultores, como asesor del muralismo e instructor auxiliar en otras materias.
Recuperado de Wikipedia.  24/05/2017   17:44
Marcel Duchamp      (Blainville-Crevon28 de julio de 1887 - Neuilly-sur-Seine2 de octubre de 1968) fue un artista y ajedrecista francés. su obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del movimiento pop en el siglo XX. Al igual que el citado movimiento, abominó la sedimentación simbólica en las obras artísticas como consecuencia del paso del tiempo y exaltó el valor de lo coyuntural, lo fugaz y lo contemporáneo. Duchamp es uno de los principales valedores de la creación artística como resultado de un puro ejercicio de la voluntad, sin necesidad estricta de formación, preparación o talento…
Recuperado de Wikipedia. 24/05/2017   23:42
https://es.wikipedia.org/wiki/Marcel_Duchamp



[1] Carina Pino Santos:  crítica cubana, Especialista en Arte Contemporáneo

[2] Tropo, del griego. Significa vuelta, giro, cambio, estilo, manera.
[3] Julieta Sanguino: “Los mejores besos en la historia del arte”

[4] Protagonistas de la novela griega de la antigüedad escrita por Longo en el siglo II, DC
[5] Transmisión del significado por asociación de dos objetos
[6] Tipo de metonimia donde la parte sustituye al todo o el todo a la parte
[7] Revista Digital El Definido: El chileno que conquista las calles de Nueva York con sus murales






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